Muster für dekoration

Die Muster- und Dekorationsbewegung bestand aus Künstlern, von denen viele kunstpädagogische Hintergründe hatten und sich an den abstrakten Kunstschulen der 1960er Jahre beteiligt hatten. Das verwestlichte, männlich dominierte Klima des künstlerischen Denkens in der gesamten Moderne hatte zu einer Marginalisierung dessen geführt, was als nicht-westlich und weiblich galt. [6] Die P&D-Bewegung wollte das Interesse an kleineren Formen wie Mustern wiederbeleben, die zu diesem Zeitpunkt mit Trivialität gleichgesetzt wurden. Die vorherrschende negative Sicht der Dekoration wurde von nicht-westlichen Kulturen nicht allgemein geteilt. Zusammen mit Miriam Schapiro half Robert Kushner bei der Organisation einiger der frühesten Pattern- und Decoration-Ausstellungen. Kushner kam aus der Welt der Werbeillustration ins Kunstfeld, die er 1961 verließ, nachdem er eine Ausstellung über das Werk von Franz Kline gesehen hatte. Es dauerte jedoch einige Jahre, bis er das Vertrauen gewann, seine eigene einzigartige Stimme zu entwickeln. Nachdem er mit einer Reihe von Stilen experimentiert hatte, vom Abstrakten Expressionismus über den Minimalismus bis hin zur Farbfeldmalerei, gab er schließlich die vorherrschenden Trends auf, um 1972 einen persönlichen stilistischen Sprung zu machen, indem er schablonierte „Formen“ in einem „All-over“-Muster auf seine Leinwände anwendete. Während der 1970er Jahre entwickelten sich diese gemusterten Schablonenmalereien zu mehr floralen Bildern, die einen Mittelweg zwischen formalistischen Dekorationsfeiern und figurativen Darstellungen symmetrischer Gärten umarmen.

Sowohl Nancy Blum als auch Ebony Bolt verwenden botanische Bilder. Blum konzentriert sich auf die Robustheit und Bravura der Formen. Bolt verlässt sich auf die Gitter als Kulisse für ein Wunderland von Stadtfiguren, die Ausdrücke tragen, die endlos wiederkehren. Das wiederholte Muster der Tapete unterstreicht gleichzeitig die düstere Realität ihrer Stadtstraßen und ihre Schönheit. Bolts Gegenüberstellungen zerren sanft den Charme von den unverführerischsten Gesichtern und erheben sie, und ihr Gitterwerk hält Wachstum, das der Stadt erfinderische Möglichkeiten bietet. Sie alle stellten die gleiche grundlegende Frage: Was machst du, wenn man mit einer großen, leeren, versperrten minimalistischen Wand konfrontiert wird, zu hoch, breit und fest an Ort und Stelle, um zu über- oder herumzukommen? Und sie antworteten: Du malest es in hellen Mustern, hängt hübsche Bilder darauf oder drapiert es mit verwinkelten, lichtfangenden Stoffen. Die Wand kann schließlich unter dem angesammelten dekorativen Gewicht zusammenbrechen. Aber zumindest wird es toll aussehen.

Die abstrakten, nicht-hierarchisch gerasterten Musterelemente mit globalen Bezügen in Jungermans überzeugender Arbeit zeigen, wie ansprechend und befriedigend diese P&D-Qualitäten für Künstler bleiben. Wenn Kozloff den architektonischen Raum für das rein dekorative zurückeroberte, faltete Schapiro die Logik des Nachinnenmusterns in dichte Kompositionen. In ihren „femmage“-Gemälden – der Begriff ist ein Portmanteau aus Feminin, Collage und Hommage – werden mehrere fragmentarische Muster angeordnet und überlagert, manchmal in einem absichtlich sentimentalen Format wie ein Herz oder ein Fan.23 Diese Arbeiten manifestieren eine dekonstruktivistische Technik, die mit der von Perrone in seinen Schriften vergleichbar ist, zum Beispiel in der Art und Weise, wie ihre Rahmen bis in den Kern der Bilder kaskadieren; Wie Auther bemerkt, „komplizieren[s] die Kategorisierung von Ornament oder Dekoration als nur ergänzende, sekundäre oder periphere `reale` oder tiefere Bedeutung eines Werkes.“ 24 Wie bei Kozloff war Materialität für Schapiro von größter Bedeutung: Sie verwendete Stoff, Glitzer, handgeschöpftes Papier und andere Elemente, die mit Hobbyhandwerk verbunden waren.